Rembrandt byl Brill. Kreslení tutoriálů, které vám ukážou, proč…
Dobře, ani nevím, jak certifikovat génia, ale vím, že mám na jednu věc pravdu: Rembrandt byl jeden. Rembrandt, největší z největších nizozemských mistrů, vytvořil umění, které tehdy a teď bylo zjevením. To samozřejmě platí pro jeho obrazy, ale také pro jeho kresby.
Používal rychlou, zkrácenou techniku při kreslení k zaznamenávání vizuálních dojmů ze světa kolem sebe a jeho vlastní fantazie (je to slovo), předznamenávající vývoj moderního umění o více než dvě století později; to se v mé knize téměř rovná genialitě.
Prozkoumejte tuto hrstku vynikajících děl starého mistra, který byl před svou dobou „moderní“. Přemýšlejte o tom, jak může každý z těchto tutoriálů otevřít oči své vlastní síle kreslení. Uvědomte si, že pochopení krásy přichází s porozuměním rafinované dovednosti, kterou Rembrandt uvedl do hry pokaždé, když pracoval.
A co je nejdůležitější, hledejte zdroje, které oživí vaše nadšení a dovednosti pro navrhování. Jedním takovým zdrojem je Keys to Drawing with Imagination - nejlepší příručka pro studenty kresby, která v tisku slaví své 10. výročí. Užívat si!
Courtney
Kresba ve věku Rembrandta - a nyní
Výkresy byly během Rembrandtovy životnosti (1606–1669) ceněny a zůstaly oblíbené, protože začaly vstupovat do muzejních sbírek na konci 17. století. V Amsterdamu, kde Rembrandt žil a pracoval po většinu svého života, vystavoval Rijksmuseum desítky let Rembrandtovy kresby.
Ve Spojených státech jsou Rembrandtovy kresby v každé pozoruhodné sbírce od pobřeží k pobřeží. Celá škála Rembrandtovy grafické produkce meandruje prostřednictvím témat portrétu a autoportrétu; scény každodenního života; a krajina, historické a náboženské předměty.
Kreslení v reálném čase
Při popisu Rembrandtovy vyspělého stylu kreslení se kritici a historici často uchýlili ke slovu „zkratka“, které navrhuje rukopis nebo kaligrafii, zejména systém zkráceného psaní, který stenografům umožňuje diktovat „v reálném čase“., vyjadřuje poměrně přesně podstatu Rembrandtova přístupu k kresbě - ačkoli samozřejmě zaznamenával vizuální dojmy, nikoli zvuky.
Mnoho moderních umělců, od Matisse po Warhola, vyvinulo zkratkové techniky kreslení, ale jedním z předků byl Rembrandt. Rembrandtův vědec a historik umění Jakob Rosenberg (1893–1980) zdůrazňuje, že tento moderní aspekt mistrovy tvorby ovlivnil umělce i pohyby v pozdějších stoletích.
„Shorthand sám o sobě není obdivuhodnou kvalitou, pokud nekombinuje stručnost s podnětností, pokud stručnost není výsledkem citlivého výběru, s důrazem na významné rysy a přitažlivost představivosti diváka, “říká Rosenberg. Rembrandtovi zkratku splňuje tento test; často připomíná úspěch kresťanů Dálného východu a předznamenává impresionismus 19. století. To také dokazuje, že umělecká ekonomika a moc projevu jsou vzájemně závislé kvality. “
Rembrandtova láska k linii
Vynikající charakteristikou Rembrandtovy linie je to, co Andrew Robison z Národní galerie umění nazývá „kmitáním“, jeho okamžitým, příjemným posunem od popisné mrtvice, která vykresluje formu k abstraktní mrtvici, která volně vyjadřuje estetickou citlivost svého tvůrce (tyto tahy jsou často jedním a stejné).
Jak poznamenal Daniel M. Mendelowitz ve své klasické knize Kresba (Henry Holt & Company, New York, New York): „Možná se nikdo do té míry jako Rembrandt nespojil s disciplinovanou expozicí toho, co jeho oko vidělo, a láskou k linka jako krásná věc sama o sobě. “
Rembrandtova „láska k linii“však nebyla samoúčelná, jako tomu bylo například u Matisse; Rembrandtovy arabesky nejsou primárně ozdobné, ale mají filosofickou, ba dokonce i náboženskou funkci. Rembrandtovy blikající linie whiplash neustále zasahují za objekty, které popisují, aby je spojily s větším, živým řetězcem bytí - „nepřetržitým proudem stvoření“, slovy Rosenberga.
Zralý Rembrandt se do velké míry neklidné akademické kritiky vyhýbal krásné, nepřerušené konturové linii. To způsobilo určité potíže pro jeho kresby v některých pozdějších dobách, zejména v 18. století, kdy byli obchodníci a sběratelé ovlivnění neoklasicistem přemístěni, aby „doplnili“Rembrandtovy pera a inkousty přidáním linek a mycích prostředků, které zkazily jejich intimace nesmrtelnosti.
Můžeme prozkoumat vývoj a význam Rembrandtova zkratkového přístupu pomocí několika kreseb, které pokrývají jeho kariéru.
+ Rembrandt začal svou kariéru vážně šestiměsíční odbornou přípravou na amsterdamského malíře Pietera Lastmana v letech 1624/1625
+ Během svého 44letého pracovního života vytvořil Rembrandt více než 2 000 kreseb, většina v inkoustu s perem a štětcem.
+ Brzy však často kreslil křídou, obvykle černou, ale někdy červenou, a občas použil kombinaci černé a červené.
Výukové programy - Sedící starý muž, skica a finální verze
Pozadí. Tato kresba, kterou inicioval Rembrandt a datuje se do roku 1630, je jedním z řady studií ze života modelu pro jeho malbu Učenec sedící v jeho studiu.
Složení. Tato kresba křídou ukazuje model v pohledu na tři čtvrtiny délky, přičemž jeho levý loket spočívá na paži židle, která je zcela skryta záhyby jeho pláště.
Zdůrazňuje. Silné světlo dopadá na hlavu téměř úplně a zleva, takže osvětlená strana hlavy se téměř nepostřehnutelně mísí s nedotčeným papírem v pozadí. Toto jemné modelování v hlavě kontrastuje s hrubým, zdánlivě hrubým zacházením s liniemi a zastíněním v plášti a rukou.
Proces. Po lehkém načrtnutí obrysů Rembrandt rychle určil hmotnost těla vytvořením řady rovnoběžných stínovacích značek, obvykle běžících úhlopříčně od pravého horního k dolnímu levému. Některé z těchto stínovacích značek jsou patrné v levém dolním rohu kresby a vpravo od levé paže modelu, kde slouží k označení stínovaných stínů.
Při vytváření těchto značek Rembrandt použil křídu s omezeným tlakem, čímž využil zrno papíru a tendenci křídy (možná typ mírně voskovité pastelky) zachytit „hřebeny“, zatímco „údolí“zůstala nedotčena. To dává polotónům vzdušnou, atmosférickou kvalitu a používá se s brilantním účelem k přenosu účinku odraženého světla ve stínu na pravé straně hlavy.
Poté, co Rembrandt spojil tělo se světelným stínováním, přistoupil k vytvoření pocitu svého objemu intenzivním tažením tmavými, těžkými tahy, které naznačovaly obrysy zad a ramen, záhyby závěsu a nejhlubší stíny.
Umělec vyvinul tak silný tlak, aby stíny pod pažemi natáhl, že zrno papíru bylo úplně vyhlazeno. Pokud by kresba byla čistě akademickým cvičením, mohlo by to být považováno za „zkažené“těmito posledními těžkými známkami. Přesto jsou naprosto vhodné ve studii hodnotové struktury od malíře, který potřeboval najít a zaznamenat nejtemnější temnoty i nejsvětlejší světla.
Konečné usnesení. Konečným výsledkem tohoto výkresu je zaťatá energie svíjející se. Rembrandt to vyjadřuje v propletených prstech modelu a v neklidných křivkách obrysu vlevo, které začíná zubatým okrajem závěsu v blízkosti boty, zdvojnásobuje se na sebe, než se zvedne na knoflík loketní opěrky a nakonec se zlomí jako pěnivá vlna na vousovi starého muže. V tomto bodě se setkává s přímkou kolmou na ni - složenou z mimořádně těsných, složených křivek -, která vymezuje průchod z vousů na kůži obličeje, která je v hlubokém stínu.
Skica vs. konečná verze. Rembrandtova tříčtvrtinová studie modelu popisuje tok světelných přechodů, zatímco tato celovečerní kresba se zjevně libuje ve výstředních tvarech a náhlých změnách směru.
Začněme celkovou siluetou se svými podivnými hrboly a prohloubeními a poté v rámci siluety osvětlené roviny - v sestupném pořadí - čela, vousů, předloktí, rukou a kolen.
Prostřednictvím tohoto formálního uspořádání Rembrandt vyjádřil realistický pocit toho, co jeho model nejpravděpodobněji byl: ne světec nebo filozof (jak naznačuje studie tří čtvrtin délky), ale starý tramp, místní postava z umělcova sousedství v Leidenu.
Výukové programy - mladá žena u svého záchodu
Pozadí. Aniž by Rembrandt opustil Holandsko, plně se účastnil významného mezinárodního uměleckého hnutí své doby, vysokého baroka. Ve skutečnosti byl jediným nizozemským umělcem své generace, který významně přispěl ke skupinové portrétování, malbě historie a náboženskému umění velkými způsoby tak známých současníků, jako jsou Rubens, Van Dyck, Caravaggio a Velázquez.
Po svém přesunu do Amsterdamu, významného evropského přístavu a obchodního centra, měl Rembrandt přístup k dobrým příkladům vlámského, italského a španělského umění a také k ještě exotičtějšímu materiálu z Asie - perským miniaturám, z nichž kreslil kopie, a pravděpodobně čínské a japonské obrazy a tisky.
Jako dokonalý profesionál použil každý trik v knize - a některé ne v knize. Například při tisku leptání ženské nahoty využil krémovou barvu a hladký povrch japonského morušového papíru.
Výběr předmětu. Ale Rembrandt kombinoval tento estetický kosmopolitismus s charakteristickou nizozemskou láskou k prozaici. Existují tedy scény domácího života, každodenní příchody a odchody sousedů a nepřehlédnutelné rysy místní krajiny - rolnické chaty, slabé kanály, ploché poldery (také slovo), ve kterých občas větrné mlýny nebo izolované stromy uvolňují Tedium a obrovské, neustále se měnící nebe.
Rembrandtovým klíčovým vhledem bylo, že takové předměty se mohou stát nositeli velkého umění, a do svých obrazů a kreseb nalil jejich uměleckou sofistikovanost, jakož i duchovní energii a hloubku lidské empatie, kterou nikdo z jeho velkých současníků nepřekonal, kromě Shakespeara.
Náčrt hrdiny nebo samostatného potěšení. Jedním z vrcholů sbírky Albertiny je Mladá žena u jejího záchodu, perokresba inkoustu z poloviny 30. let 20. století. Kresba byla kdysi považována za studii pro obraz biblické hrdinky, ale nyní se zdá pravděpodobnější, že stejně jako většina Rembrandtových kreseb, je to samostatný výtvor, vyrobený pro potěšení a procvičování jeho dovedností.
Mladá žena, která má vlasy spletené, je pravděpodobně Rembrandtova manželka Saskia; starší žena stojící za ní by mohla být sluha. Saskia pocházela z bohaté rodiny a v této době si Rembrandt užil vrcholu svého komerčního úspěchu jako nejvyhledávanější malíř portrétů v Amsterdamu.
Střední Broken Change. Změna média z křídy na pera a inkoustu vedla ke dvěma novým vývojům v Rembrandtově grafické zkratce. Prvním je úspornější použití linie k popisu formy a gesta: umělec kreslil perem pouze horní těla těchto dvou postav a soustředil většinu svého úsilí v diagonální oblasti z hlavy stojící ženy do rukou sedící žena.
Druhým je jeho použití tmavých omývání k označení objemů, světla a stínu a dramatický důraz. Tónový přechod zde není nepatrný - neexistují téměř žádné světelné polotóny - datující Albertinovu kresbu do raného stádia Rembrandtova používání pera a praní. Jeho citlivé spojení tahů pera s kartáčem, s lineárními a tonálními akcenty, je jedním z charakteristických znaků jeho pozdějšího zvládnutí média.
Stejně jako v celém těle práce perem a inkoustem kreslil Rembrandt Mladá žena na své WC bez předběžného skicování křídou nebo grafitem. Odvážné linie vytvářejí dlouhé, sebevědomé křivky, které končí háčky a smyčkami - což je hlavní příklad jeho zjevné potěšení při vytváření krásně tvarovaných abstraktních značek.
Výukové programy - Krajina
Pokud jde o kresbu krajiny ze 40. let 20. století, Otevřenou krajinu s domy a větrný mlýn (Bývalý měděný mlýn na Weesperzijde), také v Albertině, zažíváme Rembrandtovo zacházení s perem a štětcem na jeho nejúžasnější úrovni. Kresba byla provedena na místě, stejně jako stovky dalších, kterými vyplnil své skicáře během svých procházek po okolí Amsterdamu.
Motiv je konvenční - repoussoirový strom na levé straně ukládá kompozici a střed zájmu ve střední vzdálenosti je vložen mezi temné popředí a širokou rozlohu oblohy. Umělec proměnil tento vzorec na komplexní drama rozmanitého prostorového napětí a podivné tvorby značek, a přesto dokáže vyjádřit přesvědčivou iluzi atmosféry nasycené světlem.
Střední. Promývání v tomto výkresu se liší od měkkých a jemných, jako ve vzdálených prostorových rovinách budov na panorama po pravé straně, až po drsné a texturní útvary, které se vytvářejí přetažením polosuchého kartáče napříč papírem vpravo dole. Rembrandt vytvořil obzvláště lahodný účinek vlevo pomocí kombinace několika ohraničených čar a teček s lehce taženým mytím pro reprodukci složitých textur listů a budov, které se třpytily ve vlhkém a mlhavém vzduchu.
Probuzení impresionista. Radikální, jak tomu bylo v minulosti, Rembrandt ve svých krajinných kresbách představil zkušenost s vnímavým realismem. Nakreslil, jak oko vidí, s detaily soustředěnými v centrální ohniskové oblasti, zatímco periferní objekty - například strom zcela vlevo - jsou ošetřovány pouze zběžně. Znovu očekával další vývoj evropského umění (subjektivismus francouzského impresionismu) o více než 200 let.
Nástroj pro rytmus. V 1640s Rembrandt přidal rákosové pero do jeho sady nástrojů. Rákos vytváří tupší, těžší linii než ostno, které Rembrandt také použil v této krajině pro kreslení delikátní linie v budovách. Tekuté, točivé pohyby rákosího pera - zvláště znatelné ve stromu a kde umělec označuje břeh příkopu v levém popředí - vytvářejí silný rytmický kontrapunkt k klidné horizontálnosti krajiny.
Výukové programy - Kristus se svými žáky
V polovině padesátých let se rákosové pero stalo Rembrandtovým upřednostňovaným kreslícím nástrojem (stejně jako pro Van Gogha). Kristus se svými učedníky a krvácející ženou (konec 50. let 20. století, z Albertiny) je kresba z rákosého pera, která ve své závěrečné fázi ukazuje Rembrandtův zkratkový styl. Na rozdíl od jeho krajin středního období, kde se zabýval vykreslením smyslu prostorové recese a atmosféry, ve svých pozdějších kresbách ignoroval prostorové efekty ve prospěch klasické monumentality postavené na jednoduchých tektonických tvarech.
Příběhová linie. Předmětem této kresby je jeden z Kristových zázraků, jak je popsáno v Lukášovi 8: 40 - uzdravení krvácející ženy. Tajně přistupuje ke Kristu v davu a dotýká se jeho roucha, které okamžitě zastaví krvácení. Když si to Ježíš všimne, spadne a řekne mu, co udělala; Kristus jí pak říká, že její víra ji vyléčila.
Rembrandt se rozhodl vykreslit emoční vrchol příběhu. Scéna je zobrazena jako na pódiu nebo jako sochařská reliéf. Postavené postavy tvoří vlys, jejich hlavy jsou obecně na stejné úrovni, zatímco hlava prostitutky je dole, na úrovni se dvěma nezřetelnými ovály (hlavami?) Vpravo dole. Čísla jsou pouhá gesta - každá byla pravděpodobně nakreslena za minutu nebo méně. A přesto je ohromující formální jednota kompozice i rozmanitost zachycených výrazů - skepticismus, zvědavost a šok učedníků, Kristův soucit, hluboká pokora ženy.
Realizovat. Rembrandtovo grafické umění bylo pevně zakotveno ve kresbě ze života. Tedy, když použil svůj zkratkový styl, aby vzal „diktát“ze své představivosti, jako v tomto výkresu, má výsledek přirozenost a bezprostřednost, jako by to byl samotný Rembrandt. V době, kdy mu bylo padesát, dosáhl umělec výšky svých schopností: dosáhl téměř dokonalé integrace a průniku řemeslné disciplíny, umělecké inteligence, emočního vhledu a duchovního osvětlení.
Pro Rembrandta byly příběhy v Bibli stejně skutečné a přesvědčivé jako cokoli, co viděl jeho očima, a proto věnoval tolik své geniality a fyzické energie tomu, aby je učinil „skutečnými“prostřednictvím svého umění: takže ostatní, jejichž víra a představivost byly slabé, mohly pociťovat jejich nepříznivý význam.
Náklady na Genius. Po staletí spisovatelé dělali hodně z ironie v Rembrandtově příběhu: čím blíž se blížil k plné integraci své osobnosti s jeho uměním, tím nižší potopil jeho akcie na světě. Stal se slavným bankrotem a kritici ho drželi jako příklad toho, jak malovat a kreslit.
Pro ty, kteří chutnali klasický ideál, bylo nejvíce znepokojující Rembrandtovo zanedbávání lineární a plastické čistoty. Joachim von Sandrart, který znal mistra osobně a byl celkově sympatický životopisec, napsal, že Rembrandt „neváhal oponovat a odporovat našim pravidlům umění, jako jsou anatomie a proporce lidského těla, perspektiva a užitečnost klasické sochy, Raphaelovy kresby a uvážlivá obrazová dispozice a akademie, které jsou pro naše profese tak zásadní. “
Spojením ironie bylo, že Rembrandt rozuměl všem těmto pravidlům a většinu z nich používal najednou. Jeho současníci nemohli ocenit, co s nimi udělal.
Výukové programy - Poslední autoportrét
Po sto či více netradičním umění, po více než 100 letech vzpoury a převrácení pravidel si můžeme myslet, že chápeme Rembrandta lépe než jeho současníci. Ale při pohledu na jednu ze vzácných Rembrandtových kreseb autoportrétu - posledního, Autoportrétu v Beretu, z roku 1660 - je jeden div.
Nakreslete jako Malování. Práce obsahuje neobvyklé malířské ošetření - praní zahrnuje neprůhlednou barvu těla - a dává mu hustou, mlhavou atmosféru, skrze kterou se pohled umělce prořezává jako světlomet. Účinek, který to přináší, je doslova „vznešený“: vyvolává pocity úcty a pro každého, kdo někdy zvedl tužku s nejasnou nadějí, že se stane umělcem, hrůzou. Získala by taková práce cenu na jedné z našich výstav „dobrého“kresby dnes?
Poslední myšlenky na neuvěřitelně moderní starý pán
Poslední slovo patří historikovi umění Jakobovi Rosenbergovi, který se v následujícím dlouhém průchodu dotýká paradoxu Rembrandtovy zjevné modernity a jeho hluboké odlehlosti od světa, který modernismus vytvořil.
Porozumění interpretovi zralého umění Rembrandta za jeho vlastní doby by muselo čelit obtížnému úkolu dokázat, že zde byla zahrnuta i filozofie - taková, která by mohla konkurovat klasicismu, ale vyžadovala velmi odlišnou uměleckou formu. Tato filozofie postavila pravdu před krásu. Ale nejen to byla zjevná, vizuální pravda fyzického světa, ale také jeho pronikání a úprava, duchovní pravda, která měla své kořeny v Bibli.
"Rembrandt se zabýval člověkem a přírodou." Oba podle jeho koncepce zůstávají závislí na Nejvyšší Síle, která je přivedla k bytí. I jeho krajiny tedy nejsou soběstačné kousky přírody oddělené od jejich zdroje a odpočívající ve své vlastní kráse, jako je například klasický Pohled na Delfty Jana Vermeera. Jsou spojeni s tvůrčím procesem veškerého pozemského života a podléhají dynamickým změnám. Neexistuje pro něj nic takového jako morálka přírody. Mrtvé pávy jsou kombinovány v jeho obrazech zátiší s živými osobami. Rembrandt není ochoten odříznout cokoli od nepřetržitého stvoření - dokonce i jatečně upraveného těla, jak jsme viděli v jeho Zabitého vůl.
"V jeho figurálních předmětech není nikdy představeno uspořádání statické finality, jakou nabízí Poussin s velkou důstojností a krásou." Rembrandtovi lidé, zabalení do svých vlastních myšlenek, nejsou v komunikaci, nikoliv s vnějším světem, jako s lidmi z Rubense, Van Dycka nebo Franse Halse, ale s něčím v sobě, co vede zároveň za sebe. Proto introvertní postoj s Rembrandtem znamená hledání duchovní síly v člověku, která podmíňuje jeho život, jeho původ i průběh. Člověk tak přemýšlí o svém stavu závislosti a přijímá jej v pokoře.
"Příroda je také ve stejném stavu závislosti, ale aniž by to věděla." To staví člověka do vyšší pozice a dělá z něj nejcennějšího předmětu pro malíře. Rembrandt zde souhlasí s Pascalovým „toute notre dignite cone en la pensee“: [Celá naše důstojnost spočívá v (síle) myšlenky.] “
Shah Jahan ca. 1656–1661, pero a hnědý inkoust, štětec a hnědé prádlo na světle hnědém japonském papíru, položeno na béžově položený papír, 8 15/16 x 6 11/16. Sbírka Muzeum umění Cleveland, Cleveland, Ohio.
