Jako jedna studie kresba, může být užitečné učit se od mistrů, kteří přišli dříve, aby získali inspiraci a najít způsoby, jak přistupovat k výzvám, které vyvstávají. Pro ty, kteří objevují kresbu, existuje několik mistrů navrhovatelů, z nichž se můžeme poučit.
autor: Naomi Ekperigin
|
|
| Portrét Madame d'Haussonville
od Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafit, 9 3/16 x 7¾. Kolekce Muzeum umění mlhy na Harvardově univerzitě, Cambridge, Massachusetts. |
"Věřím, že kresba je základem veškerého umění, " říká umělec Mary Reilly. V tomto sentimentu není sama. Mnoho umělců věří, že kresba dovednosti jsou rozhodující pro práci v jakémkoli médiu, i když kresba není primárním zájmem člověka. Od počátku byli umělci, kteří oceňovali kresby jako dokončená díla na vlastní pěst. Tito umělci dále povýšili médium a ukázali šíři možností, které mají k dispozici ti, kteří si přáli prozkoumat kresbu dále.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Francouzský neoklasický malíř Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) se narodil jako navrhovatel. Od útlého věku se jeho otec staral o kresby a v 17 letech Ingres odešel do Paříže studovat pod Jacquesem-Louisem Davidem, který byl Napoleonovým oficiálním „uměleckým carem“během francouzské revoluce. Přestože je hluboce ovlivněn renesančním malířem Raphaelem a samotným nadaným malířem, jedná se o kresby a portréty Ingresu, pro které je nejznámější.
Ingres se přestěhoval do Itálie v roce 1808 poté, co vyhrál Grand Prix de Rome, francouzské špičkové umělecké stipendium. Tam honil své řemeslo, inspirované prací Old Masters. Na podporu sebe a své manželky přijal od státu malířské komise a dokončil stovky grafitových portrétů pro turisty, cestovatelské hodnostáře a bohaté emigrace. Tyto malé portréty jsou „skvělá umělecká díla, zachycující zázrak talentu, rysů, póz, kostýmů, atmosféry a charakteru, “napsal historik umění Stephen Longstreet. "Lidé jsou skuteční." Dýchají a existují pevně na Zemi. “
|
|
| Listové studie o ženách pro turecké lázně
od Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, pero, hnědý inkoust a grafit na dvou spojených listech, 6¾ x 4¾. Kolekce Louvre, Paříž, Francie. |
Schopnost zachytit realitu byla způsobena jeho technickými dovednostmi a znalostmi anatomie. S takovou vrozenou znalostí lidské podoby by umělec mohl správně vykreslit rouška způsobem, který sledoval tvar těla v každém záhybu a záhybu. Schopnost umělce zachytit podobu přišla od jeho oddanosti k přesnosti, kterou vyvinul kresbou. Ingres byl nutkavý šuplík, který nutil studenty, aby nakreslili očima, když to nemohli udělat tužkou. Pro své malované portréty a nástěnné malby někdy vytvořil stovky přípravných kreseb. Zdálo se, že tento krok procesu je uspokojivější než skutečný obraz nástěnných maleb, které občas opustil. "Fáze byly: studium ze života, utahování pravdy ze zkušenosti, umísťování, zvětšování, transport na plátno, vracení, v případě potřeby k modelu pro tento nebo ten detail, " napsal Avigdor Arikha v JAD Ingres: Padesát životů z Musée Ingres v Montaubanu, katalog výstavy v Muzeu výtvarných umění v Houstonu. "Požádám hraběte de Pastoreta o jeho rukavice nebo se vraťte k levé paži paní Moitessierové, nakreslete ji v životní velikosti, aby ji přenesl přímo na plátno, a vraťte se k ní znovu a znovu." Tehdy se Ingres zabořil. Bylo to příliš komplikované - téměř posedlé - řízení, jehož cílem bylo přiblížit se pravdě věci. “
Umělci ze všech úrovní se mohou poučit z pozornosti Ingresu k detailům. Jeho pracovní etika byla obdivuhodná a vytvořil kresby, které byly jak technicky příjemné, tak emocionálně rezonantní. "Ze všech mistrů, které jsem studoval, se mi práce Ingresu nejvíce líbila, " říká Reilly. „Upřednostňovanými materiály Ingresu byla ostře špičatá grafitová tužka a hladký bílý papír. Věřil, že barva není pouze doplňkem kresby. Kresba pro něj nebyla jen linie. Byl to výraz, vnitřní forma, složení a modelování. “Právě tento pohled ovlivnil moderní umění 20. století a generace umělců od Degase po Dinnerstein.
|
|
| Sedící nahá žena
Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Sbírka metropolitní Muzeum umění, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Jako Ingres byl Pierre-Paul Prud'hon (1758–1823) uznáván jako malíř, ale kresba byla základem jeho práce. Ve své době známý pro jeho alegorické a mytologické malby, inspirují a omračují diváky právě jeho figurální kresby. Jako student umění na Dijonské akademii na počátku 80. let se Prud'hon věnoval přísnému výcviku kresby, který byl považován za nezbytný pro všechny, kteří doufali v úspěšnou kariéru umělce. Akademie - studie z živého modelu - byly způsobem, jakým si studenti zdokonalovali své dovednosti a stovky těchto kreseb dokončovali v době, kdy byli připraveni vykonávat své profese. Tento proces trval roky a vyřadil řadu uchazečů, buď kvůli nedostatku obětavosti nebo talentu. I když se tento přísný a zdlouhavý výcvik může zdát dnešním studentům těžkopádný, tyto figurální kresby byly pro umělce zásadní, mnozí z nich tyto studie vytvořili během své kariéry pro nápady a praxi.
|
|
| Académie sedícího muže
Pierre-Paul Prud'hon, černá a bílá křída na modrém papíře, 14 9/17 x 10 ?. Kolekce Museé Baron Martin, Gray, Francie. |
Prud'hon byl jedním z takových umělců a po celou dobu své kariéry se více než jeho současníci držel akademií. Co je ještě pozoruhodnější, možná je, že Prud'hon přišel upřednostňovat tyto figurální kresby před dokončenými obrazy, i když jeho kariéra postupovala. V roce 1788 si umělec vyvinul podpisový styl postav kreslených barevnou křídou na tónovaném papíře. Kresby jsou často sestaveny v několika vrstvách, včetně šrafování a širokých pasáží tónování a pařezování. Tím, že míchal linky, tóny a různé techniky, Prud'hon představil umělcům celou škálu výrazných možností křídy a papíru. "Prud'honovy studie vyjadřují silný pocit emocí, " říká Reilly. „Jeho značky se zdají volné a volné, ale jsou perfektně umístěny.“Souhlasí umělec Kenneth Procter, „Prud'hon dokončil některé kresby, kde jádro stínu běží jako pruh po celé délce pozice, čímž odhaluje každou nuanci svalu. „Je to naprosto ohromující.“Se svými znalostmi tak hluboko zakořeněného lidského těla se mohl soustředit na své téma a naplnit jej životem, rychle se označit a okamžitě reagovat na jeho vlastní myšlenky bez obav z anatomie nebo verisimilitude.
V raném věku Prud'hon přidal ke svému jménu „Paula“na počest vlámského malíře Petra Paula Rubense (1577–1640), který byl také hlavním zpravodajem. Prud'hon sdílel umělcovu lásku k lidské postavě a důkladné znalosti anatomie, ale to je místo, kde končí jejich podobnosti. Rubens byl zastáncem barokního stylu, známý svým důrazem na barvu, bohaté detaily a dynamický pohyb. Na druhou stranu Prud'hon odtrhl dramatický pohyb a soustředil se na to, jak se světlo pohybovalo přes formy. Co se však Prud'hon naučil od svého předchůdce, je důležitost neustálého vytváření nového díla, bez ohledu na styl. Rubens byl jedním z nejplodnějších a nejrůznějších umělců své doby, s výstupem, který zahrnoval altarpieces, obrazy historie, portréty a krajiny, stejně jako knižní ilustrace a architektonické návrhy.
|
|
|
| Nanebevzetí Panny
od Peter Paul Rubens, ca. 1612, hnědý inkoust a hnědé mytí, bílá barva těla a černá křída na hnědé papír, 11? x 9 ?. Kolekce Albertina Muzeum Vídeň, Rakousko. |
Sedící mladá žena se vztaženými pažemi
Peter Paul Rubens, 1631–1632, černá a červená křída s bílou zvýšení, 16 x 19 11/16. Kolekce Staatliche Museen zu Berlín, Kupferstichkabinett, Berlín, Německo. |
Peter Paul Rubens
Kromě toho umělec vytvořil stovky kreseb, které hrály různé podpůrné role v jeho tvorbě od samého začátku své kariéry. Jako mladý umělec trávil většinu času kopírováním mistrovských děl; přesun do Itálie v roce 1600 přesunul svůj předmět do práce renesančních mistrů. Účelem kresebných děl Titiana, Michelangela a Raphaela nebylo jen poučení. Jak poznamenává umělec-instruktor John A. Parks, „Byl to vlastně pokus o vyplenění dostupné ikonografie a kompozic, aby mohl shromáždit osobní knihovnu snímků pro pozdější použití. To, co umělec na těchto kresbách nejvíce oceňoval, nebyla jejich osobní kaligrafie nebo kvalita vykreslování, ale prostě jejich designové informace. “
Rubens použil tuto knihovnu obrázků, aby sloužil jako inspirace pro velké oltáře, které měl vytvořit. Začal tyto velké práce přípravným kresbou černou nebo hnědou křídou, pak vytvořil olejovou skicu. Po tomto, umělec se vrátil k kreslení, dělat větší kusy od živých modelů pomocí černé křídy. Tato větší kresba mu umožnila zahrnout více detailů a anatomické přesnosti a naplnit jeho předmět živostí, na kterou byli barokní umělci pyšní.
Přestože si Rubens pravděpodobně myslel jen málo ze svých kreseb, umělci dnes mohou z jeho přípravných prací hodně získat. Jeho kresby obohatily jeho obrazy a pomohly mu v každé fázi procesu. Když konečně dal olej na plátno, měl jasnou vizi a byl si jistý, jak to provést. Rubens rozšířil svou kresbou slovní zásobu, což mu umožnilo vytvořit stovky brilantních děl.
|
|
| Žena s mrtvým dítětem
od Käthe Kollwitz, 1903, leptání. Sbírka Národní galerie Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Německá malířka, grafika a sochařka Käthe Kollwitz (1867–1945) může být pro svůj předmět lépe známá než její dovednost. Její lepty, litografie a kresby byly primárně lidí dělnické třídy, které kolem ní viděla, a představovala divákům pohyblivé zprávy o lidském utrpení a boji. Její hluboké emocionální propojení s jejími předměty jí umožnilo vytvořit umění, které dodnes rezonuje s publikem, a může inspirovat umělce, kteří se chtějí zabývat osobními a / nebo politickými tématy. "Zaujala mě Kollwitzova raná práce a hloubka formy, kterou získala ze své hojné linie, " říká umělec a instruktor Dan Gheno. "Také jsem ocenil emocionální sílu v její práci." Naučila mě, že pokud se podívám dovnitř, můžu jít mnohem dál než povrchová forma. “
|
|
| Autoportrét
autorem Käthe Kollwitz, 1924, litografie. |
Kollwitz často pracoval v cyklech a zabýval se tématem historických povstání a změn. První z těchto sérií byl Tkadlec, který se skládal ze tří litografií a tří leptů založených na německém dramatikovi Gerhart Hauptmannově dramatizaci neúspěšného povstání z roku 1842. Kollwitzova díla nebyla doslovnou ilustrací historických faktů nebo Hauptmannovy adaptace; místo toho se soustředila na utrpení, naději a statečnost pracovníků. Když byly tyto kousky vystaveny veřejnosti v roce 1898, umělkyně získala velké uznání a je to stále jeden z jejích nejslavnějších projektů. Poté následovala její série Rolnická válka (1902-1908), založená na povstání německých rolníků z let 1522-1525. V době této série byla umělkyně považována za jednu z nejvýznamnějších německých grafiků své doby.
Kromě kolísání jejího předmětu zkoumala Kollwitz řadu technik tisku v těchto sériích, včetně leptání fotografií, hlubotisku a barevného litografického tisku. V této době zjednodušila svou práci a zanechala za sebou velmi podrobný realistický přístup ve prospěch vyprávění emocí. Právě tento závazek k humanistickým tématům a emocionální spojení pomáhají odlišit Kollwitzovu práci.
|
|
| Portrét Igora Stravinského
autorem Pablo Picasso, 1920, grafit, sbírka Museé Picasso, Paříž, Francie. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) je umělec mezinárodního renomé, který žil v bouřlivých dobách v Evropě a použil své umění k interpretaci rychlých a někdy násilných změn, které se kolem něj odehrávaly. Zatímco umělec dokončil stovky obrazů, pro které je dobře známý, jeho kresby jsou jádrem jeho práce. "Srdce Picassova vývoje jako umělce a ikony spočívá v jeho návrhářství - to je místo, kde byly generovány jeho experimenty a vizuální průlomy, " říká umělec a učitelka Lisa Dinhofer. Jako umělec s hlubokými znalostmi základů a rozsáhlým akademickým vzděláním byl Picasso schopen dekonstruovat předmět, vykreslit jej v nejmenším možném počtu řádků a dospět k jeho podstatě. "Vykreslení objektu v jeho nejjednodušší podobě vyžaduje podrobné znalosti mistra navrhovatele, " říká Dinhofer. "Ne se změkčenou značkou Conté, ne se šrafovanou strukturou objemu, nikoliv ve vrstvených odstínech grafitu pro modelování oblasti, ale přímou čarou přenášející veškerou formu a prostor."
|
|
| Nusch Eluard
autorem Pablo Picasso, 1938, uhlí a grafit na plátně. |
Picassoova linie naznačovala vnitřní a vnější podobu jeho předmětu a mohl vyplnit rovinu obrázku odstraněním objemových detailů. To lze vidět v portrétech, jako je Max Jacob, Portrét Erika Satie a Helena Rubenstein. Při pohledu na své experimentování s čarou a tvary umělci pochopí, jak Picasso donutil diváky vidět objekty novými způsoby, a stále posouvá naše limity dnes. Jeho mistrovské dílo Guernica, vytvořené v roce 1937, ztělesňuje umělcovy měnící se teorie a experimentuje s linií. Jak poznamenává Dinhofer, „Kompozice je založena pouze na vzájemném spojení prostoru a linie. Vyobrazený interiér a krajina jsou zploštělé a každou postavu tlačí do popředí. Výsledkem je nepřekonatelný útok… provedený odvážnou neporušenou čarou, výřezy a komprimovanou obrazovou rovinou. “
