Mnoho vynikajících učitelů, kteří trénovali Daniela Gravese, byli v 70. letech uváděni u amerického umělce, zatímco on a jeho studenti byli profilováni v novějších vydáních. Jelikož časopis slaví 70. výročí svého založení, zkoumáme akademické umělecké vzdělání, které Graves věnoval část své kariéry zachování.
M. Stephen Doherty
|
|
| Ženich
2005, olej, 48 x 32. Zdvořilost Grenning Gallery, Sag Harbor, New York. |
Mnoho důležitých realistů 20. století bylo profilováno u amerického umělce a tyto celovečerní články měly silný vliv na malíře, kteří měli hlad po informacích, které by mohly informovat a vést jejich tvůrčí úsilí. Daniel Graves měl štěstí, že studoval s několika z těchto vlivných umělců, včetně Josepha Shepparda, Franka Russella, Richarda Serrina, Richarda Lacka, Pietra Annigoniho a Neriny Simi; a byl profilován v průvodním příběhu z prosince 1988. Od té doby Graves pokračoval v předávání velkých školení, které obdržel, novým generacím umělců a časopis představoval řadu svých bývalých studentů, z nichž někteří nyní vyučují ve Spojených státech a Evropě.
Protože Graves je jedním z důležitých odkazů mezi minulostí a současností, věříme, že je vhodné ho během tohoto výročí znovu navštívit. Naštěstí rozsáhle psal o současném stavu reprezentativního umění, o svém vlastním pozadí a poslání, které ho nadále vede jako umělce a učitele. Následuje výňatek z eseje, kterou napsal Graves a který vysvětluje tradici, kterou používá, a metodiku, kterou používá k propojení nových generací umělců s touto tradicí.
Poté, co jsem jako umělec i učitel věnoval velkou část svého života reprezentačnímu umění, jsem velmi potěšen, že stále více lidí nachází tradičně vykreslené obrazy, které pro ně mají smysl. Tradice, na kterou odkazuji, je tradice humanistického ducha v západním umění.
|
Výstava Gravesovy práce bude být na pohled na Eleanor Galerie Ettinger v New Yorku, začátek 8. března 2007. Pro více informací o Graves, navštivte jeho webovou stránku na adrese www.danielgraves.com. Přečíst si jeho úplné znění esej nebo se dozvědět více o Florentská akademie umění, navštivte webovou stránku školy na adrese www.florenceacademyofart.com. Pro výpis dalších uměleckých škol zachování tradice Graves popisuje, navštivte webovou stránku Art Renewal Center. |
Když jsem začal studovat v roce 1968 u Josepha Shepparda a Franka Russella na Maryland Institute College of Art, v Baltimoru byla většina, ne-li všechna, hodných tradic uměleckého vzdělávání spojena s ateliéry Evropy 19. století. Informace, které dostali studenti, byly předávány od renesance, nejprve prostřednictvím jednotlivých umělců, kteří se učili, a poté prostřednictvím akademií, jejichž funkcí bylo vzdělávat umělce a udržovat tradici řemesel. Protože ve Spojených státech bylo jen málo takových institucí, cestovala většina amerických malířů k těmto evropským ateliérům, aby se naučili zásadám a technikám kritickým pro jejich povolání.
Někteří Američané, kteří se pokoušejí napodobovat evropské akademie, například RH Ives Gammell a Richard Lack, otevřeli své vlastní akademie. Gammell trénoval Lacka ve svém bostonském ateliéru a Lack poté otevřel The Atelier Lack (nyní The Atelier) v Minneapolis, který nadále funguje pod vedením svých studentů. Mezi další ateliéry, minulé i současné, s odkazy na Gammella nebo jednoho z jeho studentů, patří ti, které režírovali Allan Banks, Charles Cecil, James Childs, Robert Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter, Richard Whitney, Andrea Smith, Ryan S. Brown a Juliette Aristides.
Moje vlastní touha být spojena s tradicí v době, kdy už nebyla celá, když se to považovalo za passé, chtít to udělat, a když byl zapomenut její jazyk, mě přivedlo do Florencie v roce 1978. Studoval jsem s Nedostatek, v roce 1982 jsem se rozhodl otevřít uměleckou školu s Cecilem (která pokračovala až do roku 1990 jako studio Cecil-Graves), poté jsem v roce 1991 založil Florentskou akademii umění a nadále působím jako její ředitel. Mým cílem bylo spojit Lackova učení s těmi jinými umělci / učiteli, kteří mě velmi ovlivnili. Tento vzdělávací program a tradice, na níž je založena, přivedly stovky studentů na Floridskou akademii umění, z nichž několik následně založilo své vlastní ateliéry.
|
|
| Autoportrét
2005, olej, 15 3/4 x 19 3/4. Soukromá sbírka. |
To, že všichni pracujeme v této akademické tradici, neznamená, že náš předmět a umělecké zájmy jsou stejné. Jak doufám, je zřejmé z kreseb a obrazů vytvořených umělci, které jsem právě zmínil, a jejich studenty, každý z nás se pokouší vytvořit jedinečné dílo založené na jeho individuální umělecké cestě. Všichni však mluvíme stejným vizuálním „jazykem“. To znamená, že jsme se všichni naučili, v míře, v jaké můžeme, jazyk tradice, který používáme k vyjádření našich vizí. Rád věřím, že naším posláním je spojovat fragmenty humanistické tradice, abychom mohli přispívat smysluplnými obrazy, které budou inspirovat budoucí generace.
Můj předčasný výkon tradice
Moje vlastní umělecká cesta, jak jsem vysvětlil, začala na Maryland Institute College of Art a pokračovala mým postgraduálním studiem ve Florencii ve vile Schifanoia, kde jsem potkala Richarda Serrina, jeden z velkých vlivů na můj život. Naučil mě, jak „číst“obraz, a tak otevřel dveře, které jsou zásadní pro rozvoj hlubokého a trvalého dialogu s minulými mistry. Prokázal hluboké technické porozumění Rembrandtovi a malbě ze 17. století, ale stejně důležitý „komunikoval“se světem malby a hovořil se mnou o významu toho, co viděl.
|
|
| Průzkumník
2003, olej, 35½ x 27½. Všechny kresby této kolekce článků umělec, pokud není uvedeno jinak. |
Později jsem šel do Minneapolis se Serrinem, abych mu pomohl s nástěnným projektem, a tam jsem potkal Richarda Lacka, se kterým jsem studoval téměř rok. Od Lacka jsem se naučil mnoho akademických tradic Bostonské školy, které mu předal Gammell, a metodu malby a malování, která byla používána mnoha portrétními malíři 19. století, včetně Johna Zpěvák Sargent. Poté jsem se vrátil do Florencie a studoval jsem s Nerinou Simi, nebo „Signorinou Simi“, jak jsme jí říkali. Dcera Filadelfo Simi - florentský malíř ve stylu Macchiaioli, který studoval s Jéan-Léon Gérome -? Signorina Simi si zachovala ateliér svého otce od jeho smrti v roce 1923 až do svého vlastního v roce 1987 ve věku 97 let. Vrátil jsem se do Florencie studovat s ní, protože práce vycházející z jejího studia měla silné stránky, které jsem chtěla získat.
Lack i Simi mi nabídli spojení s Gérome, což pro mě bylo smysluplné. Lack zdědil Gammellovu linii, zatímco Signorina Simi získala její práci ve studiu se svým otcem. Oba se vraceli do Gerome, měli mnoho podobností v tom, co učili, ale také docela málo rozdílů.
Itálie - se svými muzei, kostely a přírodní krásou a jako místo, kde se umění tradičně rozvíjí - byla pro umělce vždy magnetem. Přítomnost Signoriny Simi a Pietra Annigoni ve Florencii přitahovala mnoho mladých malířů (včetně mě), kteří hledali roztřepené nitky realistické tradice. Zoufale jsme se chtěli cítit propojeni s tradicí a zdálo se, že nikde jinde nebyli umělci pracující jako v minulosti - se zaměřením na řemeslo i na nejzákladnější materiální úrovni. Ve Florencii se člověk nenazýval umělcem, ale malířem; a když jeden získal respekt ostatních, jako tomu bylo u Annigoni, dostal jeden titul „maestro“? Tyto věci nás přiměly cítit, že malba byla vznešeným povoláním, hluboce zakořeněným v řemeslech, kultuře a komunitě. Někteří z těch, kteří přišli, zůstali jen pár měsíců; jiní, jako já, zůstali, protože je Florencie zaujala svou krásou a kulturou.
|
|
| Hansi
2005, olej, 27½ x 23¾. |
Přestože jsem neučil s Annigonim, který zemřel v roce 1988 ve věku 78 let, poznal jsem ho docela dobře. Jak ho někteří nazývali, byl „patriarchou realismu“. Stanovil standard pro řemeslné umění a dal nám naději, protože dokázal kreslit a malovat jako umělci v minulých stoletích.
Mnohokrát jsem navštívil jeho ateliér, abych mu ukázal své obrazy; vždy byl povzbuzující, ale nikdy nedal moc chvály. Není moc na malé řeči, bavil se o hlubších významech života. Umění bylo vždy v popředí našich diskusí. Jelikož jsem opustil studio po jeho návštěvě, vždy mě povzbudil. "Buon lavoro. Forza e coraggio"? („Tvrdě a dobře pracuj. Síla a odvaha“), řekl bych, podle tónu, jak si myslím, římského válečníka.
Výuka metodologie na Floridské akademii umění
„Ve škole výtvarných umění je povinností učit pouze nesporné pravdy nebo alespoň ty, které spočívají na nejlepších příkladech přijímaných po celá staletí.“? Slova H. Flandrina, vytištěná v naší brožuře, jsou nejblíže, když jsme dospěli k formulaci prohlášení o poslání na Floridské akademii umění. S Flandrinem - a tolika dalšími, které jsme mohli citovat - jako našimi průvodci učíme řemeslo pracovat v realistické tradici podobné tomu, jak se to učilo v ateliérech západní Evropy v 19. století - ne nutně produkovat práci 19. století, ale, jak jsem již zmínil dříve, protože naše nejpřímější vazba na tradiční hodnoty a učení minulosti, o nichž je známo, že v realistické tradici produkovali profesionály na profesionální úrovni, probíhá skrze tato studia. Protože jsem vyzvedl kousky tradice od mnoha různých lidí, to, co učíme na Floridské akademii umění, je směsicí toho, co jsem obdržel od mnoha z těch, které jsem zmínil dříve, interpretovaných vlastním způsobem.
|
|
| Cloudová studie
2006, olej, 35½ x 51¼. |
Při pohledu na ateliérový systém vzdělávání jako model se Florentská akademie umění liší od většiny ostatních uměleckých škol, kde studenti chodí na různé třídy a často je vyučuje mnoho lidí. Když studenti chodí ve dveřích Florentské akademie, jsou jim přiděleny studijní prostory a usazují se v rytmu práce, který zůstane konstantní po celou dobu studia. Naléháním na ně, aby se stali, jak řekl John Constable, „trpělivými žáky přírody“, polovina dne strávená prací od postavy a druhá polovina dne v jejich ateliérech, práce na konkrétních cvičeních. Demystifikujeme trénink umělce a rozdělujeme nesmírně složitý úkol naučit se kreslit, malovat a vyřezávat ze života do postupných kroků. Obecně řečeno, studenti tráví dny tím, že se snaží vidět a položit přesně to, co je před nimi, protože, jak Leonardo řekl: „Malíř vytvoří obrázky s malou zásluhou, pokud vezme díla druhých za svůj standard; ale pokud se bude sám učit od předmětů přírody, bude mít dobré výsledky. ““
To však není snadné: postupný postup skrze školní osnovy, od učení přesného kreslení k učení přesných barevných hodnot v oleji - nebo pro studenty sochařství, učení se použití správné struktury v hlína - obvykle trvá studenty čtyři až pět let. Až na několik výjimek se studenti zaměřují výhradně na kreslení prvního roku. Jakmile získají důvěru ve svou schopnost být přesný, jsou požádáni, aby v rámci přípravy na malířství vyvinuli sofistikované chápání hodnotových stupňů - tedy použití dřevěného uhlí, jehož rozsah z něj činí účinné médium pro objevování světla. a tma. Zprostředkující studenti dosáhnou silného základu v kresbě, jak v grafitu, tak na dřevěném uhlí, a obvykle začátkem druhého roku začnou kreslit dřevěným uhlím a bílou křídou na tónovaném papíře, což je krok blíže k malbě. Sádrové kresby studentů začínají vypadat jako skutečné obsazení a jejich figurální kresby mají váhu a rovnováhu živého člověka. Díky těmto dovednostem kreslení jsou první malířské projekty přiřazeny.
|
|
| Studujte pro dárek
2006, dřevěné uhlí a bílá křída, 53½ x 47½. |
Získání kontroly nad tímto novým médiem vyžaduje čas a zkušenosti a stejně jako u výkresu se pohybujeme krok za krokem. Změkčujeme přechod od kresby tím, že začneme studenty malovat en grisaille - to je s malbou šedou. To dává studentům možnost seznámit se s používáním barvy ke studiu hodnot bez přidané složitosti barev. Před přidělením projektu v omezené barvě je pouze několik projektů dáno en grisaille (obvykle dvě obsazení a jeden pětitýdenní obrázek). Začínáme se studenty ve třech barvách, kromě bílé: žlutá okrová, anglická červená a černá. Toto je nejtradičnější a nejzákladnější paleta, která existuje - studenti s ní začali po celá staletí a mnoho velkých malířů, jako je Titian, se používá k výrobě některé ze svých nejlepších prací. Jakmile studenti objevili potenciál těchto základních barev, přidají se další, jak je třeba: Neapol žlutá, vermillion, kobaltová modrá atd.
Studentům třetího ročníku je poskytnut čas na absorpci a procvičování materiálu, který jim byl dán ve druhém roce, spolu s větším stupněm obtížnosti v předmětu. Portrét je představen nejprve v kresbě, pak v malbě. Mnoho studentů začíná projevovat sklon k určitému tématu a může začít trávit více času rozvíjením svých dovedností v oblasti, která je nejvíce fascinuje.
Čtvrtým rokem studenti ovládají kresbu ve dvou médiích a jsou obeznámeni s metodami a materiály olejomalby, která jsou pro studium malíře stejně důležitá jako ta první. Nyní je čas zdokonalit dovednosti, identifikovat a řešit přetrvávající slabosti a začít testovat technické znalosti. Jednou z nejpřínosnějších politik, které jsme zavedli v posledních 10 letech, je poslední kritika. Na konci každého trimestru studenti samostatně přinesou veškerou práci, kterou vytvořili, před jejich shromážděnými učiteli. Účelem kritiky je dát studentům vědět, zda jsou na kurzu, dát jim jasný náznak toho, co cítíme jejich silné a slabé stránky, a dát jim osobní návrhy, jak se zlepšit. Dostávají známku úspěšnosti / neúspěchu na základě toho, jak se jim daří v pěti různých kategoriích: pokrok, výkon, postoj, úsilí a účast.
Mám podezření, že pro některé studenty se dny někdy zdají pomalé a únavné, ale když odejdou poté, co tu byli několik let, vědí, jak postupovat podle postupu. Každé umění je o kontrole: Pokud nemůžete sledovat určité pohyby baletu, nemůžete tančit; nemůžete hrát klasickou hudbu, pokud nemáte kontrolu nad všemi měřítky a prstokladem. Nemůžete malovat a vyřezávat tradičním způsobem, pokud jste se nenaučili potřebné zásady a techniky, jako je pohyb, gesto a proporce.
|
|
| Studujte pro dárek
2006, dřevěné uhlí a bílá křída, 52 × 50. |
Obecně existují dva typy studentů: ti, kteří, jak se zdá, mají zvláštní dárek k vidění a poté rychle a plynule překládají ze tří dimenzí do dvou, a ti, kteří bojují za každou novou dovednost, kterou získají. Vyrábějí vynikající malíře a sochaře i vynikající učitele z různých důvodů. První z nich jsou často obdivovanými vzory rolí; rychle vnímají chyby studentů a důvod, proč je učinili. Na druhé straně ti, kdo bojovali, mají horlivé pochopení problémů; slouží jako příklady pokroku a mohou sympatizovat s frustrací těch, kteří bojují.
U úspěšných lidí, kteří přežívají, se zdá, že je jejich vášeň a tvrdá práce. Věřím, že kdokoli může dosáhnout úspěchu, bez ohledu na to, jaká je jeho úroveň talentu, pokud je naprosto vášnivý, zapojený a vytrvalý. Jak řekl Michelangelo, „Kdyby lidé věděli, jak tvrdě jsem pracoval, neměli by rádi, co dělám.“?
Osobní prohlášení
Přestože byly části tradice zachráněny a předány, obávám se současného stavu tohoto souboru znalostí, což je jeden z důvodů, proč jsem část let věnoval výuce. Při vývoji programu na Floridské akademii umění jsem se rozhodl zdůraznit ty aspekty tradice, které se mi zdály životně důležité. Přitom nebylo mou snahou manipulovat s tradicí, aby odpovídala mé osobní vizi, ale posílit ji, stavět na ní a dát generaci studentů nástroje, které potřebují, aby se věnovali tomu, co považuji za jeden z největších a nejnáročnější povolání ze všech: tvorba obrazů, které mají emoční rezonanci a technické dovednosti a které ve své pravdivosti a kráse zprostředkovávají myšlenky velkého významu. Za tímto účelem, jak jsem již zmínil dříve, jsem smíchal to, co jsem se naučil od vlivných umělců / učitelů, se kterými jsem se setkal během vlastního studia. Jejich učení jsem nutně interpretoval svým vlastním způsobem a kousky spojoval dohromady, jak se mi zdálo nejsprávnější. V duchu předávání studentům to, co je „čisté“? nebo „pravda“- to znamená, abychom zajistili, že učíme principy a neuložili styly, manýry nebo techniky - zaměřujeme se na praktičnost řemesel ve škole.
|
|
| Dárek
2006, olej, každý panel 51½ x 53½. |
Abychom se naučili tyto klasické techniky kresby, malby a sochařství, musíme znát jazyk, aby mohli „mluvit“způsobem, kterému bude rozumět. Chci předat tento jazyk studentům ne tak, aby pak šli do svých studií a vytvořili dílo, které je napodobením minulosti, ale aby mohli jít do světa a vytvářet umělecká díla v jazyce, který se dlouho používá umělci, a tomu už dlouho rozuměli lidé na všech úrovních společnosti - ať už pracující umělci nebo jinak. Všechno, co bylo řečeno, jsem si velmi dobře vědom, že tradice je mnohem větší než součet všech prvků řemesla. Skutečně stojíme na bedrech obrů.
John Ruskin zdůraznil, že za námi máme generace lidí, které nám pomáhají vytvářet umělecká díla. Dodal bych, že tyto generace umělců zvýšily technický a psychologický význam malby na tak vysokou úroveň, že každý, kdo vezme obušek, čelí nejtěžší konkurenci, jakou existuje. „Proč nemůžeme dnes vyrábět Leonarda?“? jeden by se mohl zeptat. Nevěřím, že je to pouze proto, že nám chybí technické znalosti a odborné znalosti. Věřím, že je to proto, že existuje něco navíc k technice, která je také součástí tradice. Doufám, že tím, že školu ve Florencii, vystavením studentů jejím velkým mistrovským dílům a kultuře, vyzvednou více podstaty tradice, budou mít za sebou více než techniku, aby je motivovali.
