Aktuální výstava v Stocktonu v Kalifornii ukazuje, jak členové Plein-Air Painters of America (PAPA) interpretují své studie na místě, aby vytvořili větší studiové obrazy. Požádali jsme osm vystavujících malířů, aby sdíleli své přístupy se čtenáři amerického umělce. Zde je to, co museli říct.
od Bob Bahr
|
|
|
| Studujte pro ledovec Dome Glacier
Linda Tippetts, 2006, olej, 12 x 16. Všechny předlohy tohoto článku sbírat umělce, pokud jinak uvedeno. |
Kanadský ledovec Dome
Linda Tippetts, 2006, olej, 18 x 24. |
Linda Tippettsová
Montana umělkyně Linda Tippettsová malovala studiové verze této kompozice krátce poté, co studovala. "Je to odlišné pro každého jednotlivce, ale pro mě, pokud jsem ztratil vzrušení a vášeň, kterou jsem měl, když jsem si vybral tu scénu na místě a nemohu ji znovu zachytit, prostě nebudu dělat studiové dílo, " říká umělec. "Musí to být docela okamžité - musím udržet tuto kontinuitu z pole do studia, aniž bych se přerušil mezi tím."
Přestože přiznává, že mírně upřednostňuje studium, Tippetts říká, že je motivována k tomu, aby vyráběla studiové verze venkovních scén z různých důvodů, včetně skutečnosti, že občas docházela denní světlo, zatímco maloval vzduch, a studiová verze jí umožňuje začlenit více informací. Může také změnit design, jako to udělala umělec, když ve studijní verzi změnila tvar ledovce. Tippetts také viditelně změnil světlo ve studiu malby - byla fascinována složení a design při malování na místě, ale zjistil, že světlo bylo lepší den další. Natočila scénu videokamerou - cítí, že video dokáže lépe zachytit světelné efekty - a pomocí záznamu vytvořila větší část svého studia. Pracuje na plátně v poli a natáhla prádlo ve studiu. Pro obě úkoly používá stejnou plnou paletu.
Tippetts maloval částečně kanadské Skalnaté hory, protože tolik milovala americké skalnaté hory. "Protože bydlím v blízkosti Skalistých hor v Montaně, chtěla jsem prozkoumat kanadské Skalnaté hory a objevit jejich osobnost, " říká. "Narodil jsem se a vyrostl v horách a jsou mi velmi drahé." Ale pokud se podíváte na stejnou scénu příliš dlouho, nevidíte nový pohled. Když jsem viděl kanadské rocky, dal mi nový pohled na řetězec Rocky Mountain. “
|
|
|
| Studujte na pobřeží Pacifiky
Joseph Mendez, 2007, olej, 12 x 16. |
Pobřeží Pacifiky
Joseph Mendez, 2007, olej, 20 x 24. |
Joseph Mendez
Joseph Mendez používá referenční fotografie, aby mu pomohl získat určité podrobnosti pro jeho ateliérové obrazy, ale obecně je považuje za „velkou lež“a hledá ve své studii barevné poznámky. "Fotografie vám nedají přesné barvy, " říká. "Fotografie je zima." Stejně jako Tippetts i Mendez cítí, že je důležité malovat studiové provedení co nejdříve po dokončení studie, zatímco si tento zážitek stále živě pamatuje. "Dělám to za pár dní, " říká. "Musím to udělat, jinak obrázek zmizí."
Mendez barvy na plátně nebo Masonite na místě a natažené plátno nebo plátno ve studiu, za použití stejné omezené palety pro oba. Především se snaží zachytit pocit místa. "Je mi jedno, jestli vyrobím větší nebo menší skálu - udělám cokoli, co chci, " říká. "Ale pocit místa je pro mě velmi důležitý, pocit toho konkrétního dne." Složení se pravděpodobně změní ze studie na verzi studia a Mendez to očekává. "Rozdíl ve velikosti mezi studiem a ateliérem ma nutí, abych měl jiné složení, " zdůrazňuje.
Kalifornský umělec také využívá neobvyklý krok, aby pomohl zdůraznit zážitek, spíše než konkrétní sledované objekty: pracuje na malování ateliéru vzhůru nohama. "Tímto způsobem nebudu používat svůj mozek a přemýšlet o tom, co je to scéna - brání mi to myslet a ospravedlňovat věci, " říká Mendez. "Jen maloval barvy, které vidím a pamatuji si."
|
|
|
| San Gimignano
John Budicin, 2007, olej, 7 x 10. |
The View
John Budicin, 2007, olej, 28 x 40. |
John Budicin
Na otázku, co je nejobtížnějším aspektem malování studiové verze náčrtu na místě, souhlasí John Budicin s několika umělci v oblasti plein: „Pokoušet se zachovat čerstvost, která tam byla, je největší výzvou, “připouští. Tento kalifornský umělec a současný prezident PAPA se nutně nezabývá tímto problémem tím, že se snaží malovat verzi studia co nejdříve po dokončení studie na místě. "Pro mě to znamená trochu pracovat na verzi studia, takže nepracuji v určité oblasti, " vysvětluje. "Jednoduše odejdu nebo budu pracovat na rámu - rád si dělám svůj vlastní a aplikuji zlatý list - a poté, co jsem si vyčistil mysl, se vrátím k malbě."
"Pokud vidíte oblast, která nefunguje, je to varovný signál, " nabízí Budicin. "Pokud vidíte strom, který se úplně nehodí, i když jste ho několikrát namalovali, ztratili jste svěžest." Také varuje, že větší obraz musí mít svůj vlastní život. "Nikdy nemůžete duplikovat to, co máte na tom malém, " říká Budicin. "Studie má jeden jazyk a větší část musí mluvit sama za sebe." Maluji jen ve chvíli, kdy dělám studii. “
| Přečtěte si více o leteckých zkušenostech Budicinova pleinu v sekci „On Location in Malibu: Obrazy členů CAC“. |
Část Toskánska, kterou Budicin zobrazil v této dvojici obrazů, je jednou z jeho oblíbených oblastí k návštěvě. Největší změnou, kterou provedl ze studie na verzi studia, je úprava pozadí. "Přidal jsem další podrobnosti a udělal to ustupovat více, " říká umělec. "Dal jsem jí větší zájem a navrhl jsem ho tak, aby divákovi zabíralo zpět kolem obrazu - snažil jsem se získat více kruhového vzoru, abych na něm viděl."
|
Brian Stewart
Malíř Minnesoty Brian Stewart vzoruje jeho použití studií po takových minulých mistrech, jako jsou malíři Hudson River School, kteří pracovali z několika studií na výrobě větších studií. "Tvrdá část je to vše integrovat a dělat to vypadat uvěřitelným, " říká. "K získání stejného pocitu, světelného zdroje, úhlu, vzdálenosti, perspektivy - to je obtíž, zvláště když jednáte s lidmi vytvořenými předměty." To jsou věci, které lidské oko má tendenci identifikovat a mít určité znalosti, takže musíte být ve své kresbě velmi technický. Pokud dělám krajinu hor, stromů a skal, může to mít chybu v kreslení a nikdo ji nezvedne. Ale pokud namaluji uměle vytvořený objekt, musím to napravit, protože lidé ho vyzvednou, ať už jsou trénovaní nebo netrénovaní. “
Stewart vyřešil tento složený obrázek retro-přívěsů aut malbou četných studií po dobu asi dvou hodin, každý na 6 "-x-8" bavlněných plátnech. "První studie, park přívěsu v Bisbee v Arizoně, diktovala celkovou tonalitu, " říká. "Snažil jsem se, aby všechno bylo soudržné." Maloval auto odděleně a upravoval jeho barevnou teplotu ze studie, když maloval studiové dílo. Lidé ve složení byli vymalováni z fotografií, které později představil v zimě, v kostýmu, v zimě. Přívěs, na který se zaměřuje studiové dílo, byl natřen v jiném přívěskovém parku.
"Barva, hodnoty a celkový pocit světla se pokouším zachytit ve studiích, " říká umělec. "Soustředím se na kresbu tolik - snažím se získat přesnost výkresu, ale mohu se spolehnout na referenční fotografie pro přesnost na větším kusu, pokud to budu potřebovat." Stále se pokouším tvořit umění - nesnažím se dělat dokumentaci. “Místo toho se pokouší vyvolat pocit nostalgie a cítí se svobodně, aby si mohl dovolit svobodu s detaily v nápisech, budovách a podobných prvcích na periferii. malby.
Začne kreslit barvou a používá jen velmi málo čar. "Vždycky kreslím, zatímco dokončuji obraz, " říká Stewart. "Dokončuji kresbu, zatímco maloval." Pokud na začátku kreslím příliš drahocenné, mohl bych se s ním oženit a bát se od něj odchýlit. “Dále, Stewart obvykle vytvoří mezilehlou kresbu uhlí na papíře Ingresu s bílou křídou, abych vypracoval jakoukoli kresbu problémy. Poté přidá kresbu a kresbu na plátno, aby mohl přesně přenášet informace.
"Obvykle nejsem schopen udělat větší studiové obrazy okamžitě, ale čím dříve dokončím malování, tím úspěšnější bude, " říká. "Ten pocit zpočátku zůstává se mnou, ale zdá se, že časem mizí." A s malbou je důležitější, jak se cítí, než jak to funguje. “V Trailer Parku Stewart nejprve namaloval park s přívěsem, který slouží jako nastavení, pak o týden později primární přívěs. O pět měsíců později našel auto, aby ho vytáhlo. O šest měsíců později se mu podařilo zahájit studiové malování, což mu trvalo jeden a půl týdne.
|
|
|
| Studujte pro podzimní révu v údolí
Gil Dellinger, 2006, akrylová, 8 x 10. |
Podzimní révy v údolí
Gil Dellinger, 2006, akryl, 36 x 48. |
Gil Dellinger
"Ve studiovém provedení jsem lehce sestřelil dynamické světlo, aby malba byla více jednotná, " říká Gil Dellinger o této dvojici akrylových kusů. "Byla tu drzost, která byla v malém měřítku opravdu okouzlující, ale na velkém obrazu by to bylo příliš křiklavé a trochu neharmonické." Mírně jsem změnil barvy a změnil jsem tvar silnice - vyzkoušel jsem to ve studiu malby a rozhodl se, že se mi to líbí, takže jsem sledoval nový nápad, nechal to proměnit. “
Dellinger říká, že když je na místě, téměř zapomíná na design, protože se tak snaží zachytit smysl místa. "Pracuji tím, že cítím atmosféru místa, " říká. "Dokonce i vůně - do studia mohu přinést rostlinné materiály z této oblasti." Je to součást zkušenosti. Vůně je něco, co obchází některé mozkové funkce a vrátí vás zpět do paměti. Můžete cítit něco a být zpět před 20 lety.
"Obvykle musím malovat oblast hned poté, co jsem ji zažil, " říká Dellinger. "O rok později jsem příliš emocionálně oddělen od prvotního zážitku." Je velmi obtížné si to vybavit. “
|
|
|
| Studium zimních barev
Scott Burdick, 2007, olej, 6 x 8. |
Zimní barvy
Scott Burdick, 2007, olej, 18 x 24. |
Scott Burdick
Rozdíl mezi studiem Scotta Burdicka pro obraz Yosemite v lednu a ateliérovým obrazem inspirovaným stejnou scénou je patrně nejdramatičtějším párům vystaveným na výstavě PAPA. Nejen, že se formát změnil z horizontálního na vertikální, ale obraz, který se zdá být zaměřen na žluté kopce v pozadí, zmutoval část, která zdůrazňuje hru žlutého světla na proudu a chladné, sněhově zbarvené skály.
"I když jsem maloval studii, přemýšlel jsem o tom, že to udělám svisle, " vysvětluje. "Jsem nadšený scénou, kterou budu malovat, a chci hned začít." Ale vždycky se rozhlížím kolem a vidím jiné věci, které by bylo skvělé malovat. A věci se postupem času mění. V tomto případě se světlo opravdu neodrazilo z vody, až když jsem začal. Pak se žlutá v kopcích začala odrážet a já jsem byl ohromený a udělal jsem pár fotek - věděl jsem, že chci udělat vertikální. To se stává často - začnete a pak najednou uvidíte další možnosti, lepší možnosti. Ale kdybych neudělal studii, tak bych tam zůstal dost dlouho, abych viděl tuto změnu ve světle. “
Burdick tráví asi tři hodiny malováním studií a považuje to za důležitý záznam barev ve scéně a možná stejně důležitý tři hodiny pozorného pozorování subjektu. Fotografuje také referenční fotografie, „bracketing“je, aby zachytil detaily ve velmi světlých i velmi tmavých oblastech. Umělec v Severní Karolíně považuje studiové obrazy za uspokojivé, protože mu umožňují prozkoumat nový přístup k tématu a přestat být od domova. Ale malba venku je pro Burdicka jasně vrcholem.
"Malování en plein air je zábavná část bytí umělcem, " říká Burdick. "Jít ven a prozkoumat, poznat místo - uvidíte, jak se mění slunce, jak se světlo liší na konkrétním místě." Přestože tyto obrazy nejsou ty, které jsou rozesílány a kupovány sběrateli, pro umělce jsou studie skutečnou zábavou. Ale sami se podvádíte, pokud jen studujete. Všichni skvělí umělci studovali, ale jsou známí svými velkými neuvěřitelnými uměleckými díly ve studiu, která byla možná pouze díky jejich studiu. “
|
|
|
|
Studujte na Union Square na Powell Street Ken Auster, 2006, olej, 12 x 16. |
Union Square na Powell Street
Ken Auster, 2006, olej, 75 x 96. |
Ken Auster
Malba ateliéru Ken Auster bude pravděpodobně o 600 procent větší než jeho studie, takže jeho cíle jsou poněkud odlišné od některých leteckých malířů. "Studie je jen zorganizovat mé myšlenky a položit něco co nejrychleji, " říká kalifornský umělec. "Chci zjistit, jestli to bude fungovat ve větším formátu."
| Přečtěte si více o Austerově plein vzduchové technice v "Heavy Paint, Big Brushes a No Cleanup: The Paints of Ken Auster." |
Ve svých 12 "-x-16" studiích používá velký štětec "takže obraz trvá kratší dobu." Auster říká, že nemá rád, když je v cestě lidem, když maluje ve městě; absolvuje studii za 90 minut, často základy během prvních 30 minut, poté se přesune na méně rušivé místo, aby tuto studii dále rozvinul. Pomocí referenčních fotografií přidá ke studii později několik studovaných podrobností. Pak provede hodnocení.
"Udělám spoustu menších obrazů a podívám se na ně dlouho, pak se nakonec rozhodnu, který z nich udělá dobrý velký obraz, " vysvětluje. "Musíte určit, zda obraz bude fungovat ve velkém formátu." Čím silnější je předmět nebo ohnisko malého malby, tím úspěšnější bude větší malba. Můžete dělat téměř cokoli ve formátu 6 "-x-8" a bude to fungovat - protože se nepokoušíte vložit všechny informace do malého obrazu. Jste nuceni dodržovat pravidla dobrého designu a odolávat tomu, že je naplníte spoustou haraburdí. Dobrý obraz závisí na tom, co vynecháte. “
Dalším krokem pro Austera je zablokovat velký obraz v jeho ateliéru. Říká, že tato fáze, ve které je návrh stanoven, musí být provedena v jedné relaci - obvykle tento „základ“dokončí během jednoho odpoledne, oblékne si rukavice a rozmaří si ruce rukama. "Je to rychlý proces; musíte pracovat, zatímco je mokré, “říká. "A je to fyzické cvičení; musíte rychle odložit spoustu barev. “Auster má pocit, že je-li tento základ správný, je téměř nemožné, aby později obraz zjemnil. Pouze spousta práce a velký štětec dokázaly sabotovat složení a design.
Umělec poté během několika týdnů tráví kusy času rozvíjením malých oblastí malby a vytvářením ohniska. Vyhýbá se příliš detailům. "Nic neublíží velkému obrazu více než příliš mnoho informací, " tvrdí Auster. "Potřebujete čtvercovou stopu opravdu zajímavých informací, a zbytek by měl být abstraktní." Nemůžete mít pocit, že do něj musíte vložit více věcí jen proto, že máte více místa. Musíte se v této myšlence opřít a udržet ohnisko.
"Na menších kusech se můžete dostat pryč s takovými věcmi, jako je obrovský kus červené, ale u velkého obrazu by to bylo tak dominantní, že byste se na to nemohli přestat dívat, " vysvětluje. "Můžete získat mnohem jemnější informace ve větším kusu než v menším, ale nezískáte více podrobností."
Auster ve svých větších obrazech přidává výrazně větší hloubku a stará se o to, aby jeho barvy byly jemnější. "Ve studii bych mohl rozdělit krajinu do tří vrstev - popředí, prostředního terénu a pozadí - a mezi nimi budou velké změny hodnot, " říká. "Do ateliéru mohu vložit šest nebo sedm vrstev - mohu tlačit obálku a přitom si zachovat celý rozsah hodnot."
|
|
|
| Studujte poslední listy podzimu
Jim Morgan, 2007, olej, 8 x 10. |
Poslední podzimní listí
Jim Morgan, 2007, olej, 24 x 36. |
Jim Morgan
Jim Morgan studoval javor na konci podzimu ve skutečnosti ve studiu, stejně jako většina jeho studií. On dělá velmi drsné, jednoduché náčrtky na místě, pak zpracovává malou studii doma, než se pustí do většího, hotového kusu. "Tato studie vycházela z několika skic na škrábání slepice na místě, " říká umělec z Utahu. "Dělám to proto, abych viděl, jak bude kompozice fungovat, než udělám větší." Tyto počáteční miniatury mi dávají podstatu předmětu a pohyb linky. “Morgan také používá referenční fotografie, ale odkazuje na ně pouze prchavě, raději se spoléhá na paměť a intuici.
Malé junco ve studiu malby bylo plánováno od začátku, ale Morgan opustil ptáka ze studia, protože se chtěl nejprve ujistit, že složení bude bez něj dost silné.
O společnosti PAPA
The Plein-Air Painters of American (PAPA) byl založen Denise Burnsovou na ostrově Catalina, nedaleko pobřeží Kalifornie, v roce 1986. Cílem bylo vybrat 20 umělců, nechat je natírat na ostrov po dobu jednoho týdne a poté ukázat své v prodeji v sobotu večer a v neděli ráno. Tento formát se ukázal jako velmi úspěšný a následujících 18 let skupina malovala a vystavovala na Catalině, následovaly dva roky v oblasti Lake Tahoe. Organizace stále omezuje své členství a cíl zůstává stejný, „zdokumentovat místo a čas a upozornit na velké a malé památky“, uvádí web PAPA. Součástí jejich činnosti jsou také každoroční workshopy.
