"Jedním z největších důvodů, proč se malíři dostávají do potíží, je to, že jejich fotografie nemají solidní základ přesných a expresivních kreseb, " říká umělec z New Yorku Jon DeMartin. Proto jeho malířské dílny jsou pro figurální malíře tak užitečné.
M. Stephen Doherty
Když je jasné, že neexistuje pilulka, která by rychle zmírnila bolest obrazu, který se pokazil, může vám DeMartin pomoci pochopit, jak řešit základní problémy nepřesných rozměrů, zkreslených prvků nebo neživých forem. Nabízí řadu způsobů, jak vyléčit tyto běžné obrazové nemoci.
|
|
Student pozorně sledoval jak mu DeMartin ukázal jak k použití sanguine-barevné Conté pastelka nakreslit model. |
Dílny a třídy DeMartin jsou žádány po celém severovýchodě a je pravidelným instruktorem na několika špičkových uměleckých školách v New Yorku a Connecticutu. Nelson Shanks ho nedávno pozval, aby provedl intenzivní týdenní workshop pro talentované malíře, kteří studují ve studiu Incamminati ve Filadelfii. "K úvěru Nelsona chtěl, abych svým studentům představil úplně jiný přístup k kreslení postavy než ten, který zaměstnává, " vysvětluje DeMartin. "Bylo to pro mě ctí, protože studenti Incamminati byli seznámeni s některými z nejlepších figurálních umělců v zemi, jako jsou Nelson, Stephen Early, Leona Shanks, Darren Kingsley, Michael Grimaldi, Dan Thompson a Rob Liberace."
"Kresba je nedílnou součástí procesu tvorby obrázků, " tvrdí DeMartin. „Poskytuje příležitost prozkoumat variace předmětu. Umělec by se mohl nadchnout myšlenkou a vrhnout se do obrazu bez adekvátní přípravy, aby zjistil - často až příliš pozdě -, že myšlenku nelze během celého procesu udržet. Když si umělec udělá čas na provedení přípravných kreseb, může pečlivě zvážit a destilovat myšlenky, a tak činit lepší tvůrčí rozhodnutí. “
|
|
|
Studenti workshopu čerpali jejich paže se úplně natáhly. |
Nejlepší část kresebních workshopů DeMartina je, že studentům nabízejí řadu přístupů k obrazové kresbě, z nichž každý může pomoci s konkrétními aspekty tvorby obrazu. Například má studenty začít každý den rychlými gesty, které zdůrazňují spontánní, lineární aspekty zaznamenávání aktivní pozice v čárovém výkresu. "Krátké pózy od jedné do 45 minut bývají spíše o linii a gesta, a dlouhé (o jednu nebo více hodin) jsou o tvaru a objemu, " vysvětluje. "Kvůli časovým omezením je obtížné provádět jakékoli rozsáhlé modelování s hodnotami, takže čím více způsobů, jak mohu učinit řádkový expres, tím lépe."
"V mnoha kresbách z dřívějších století nebyla iluze třetí dimenze zcela závislá na hodnotových gradacích, protože koncepce za obrysy byla sama o sobě dimenzionální, " pokračuje DeMartin. „V důsledku toho byl použit menší rozsah hodnot a výkresy mohly být vytvořeny v kratším čase. Příležitosti realizovat vzrušující akce a rytmy se zvyšují, pokud se cvičí krátké pozice.
|
|
|
DeMartin pracoval přímo na studentských kresbách aby jim pomohli porozumět jak provést vylepšení. |
"Když umělci tráví hodiny nebo dny prací ze stejné pozice, jejich kresby se stávají analýzami hodnot souvisejících s formami měnícími se ze světla na stín, " vysvětluje DeMartin. „Tento druh studia se více týká akademické praxe 19. století, kdy se vyrábějí vysoce hotové kresby sádrových odlitků a modely, které drží dny a týdny stejnou pózu. Důraz je v tomto případě kladen na pečlivé pozorování jemností uvnitř formuláře.
"Oba tyto přístupy k kreslení postavy mohou být pro malíře prospěšné, ale mohou také vést k jejich vlastním problémům, " říká DeMartin. „Umělci, kteří vytvářejí pouze krátké gesta, často vytvářejí stylizované obrázky, které jsou spíše formální než upřímné odpovědi na jednotlivé modely. Naopak umělci, kteří vytvářejí pouze kresby, jejichž dokončení trvá měsíce, často končí mechanicky přesnými pozorováními, která postrádají emocionální obsah. Kombinací obou přístupů má umělec větší šanci, že bude schopen provádět jak rychlé vyhodnocení pohybu postav v prostoru, tak i přesná pozorování, která evokují podstatu kresleného člověka. “
|
|
| DeMartinova kresba gestem:
Jednominutové gesta s Nupastelem na novinový papír. |
Společnost DeMartin doporučuje, aby umělci při vytváření těchto dvou typů kreseb používali různé výkresové materiály, ale stejné držení těla. "Kreslení by mělo být provedeno ze stoje s nataženou paží tak, aby pohyb pocházel z ramene, nejen z zápěstí, " naznačuje. „Umělci by měli mít možnost vidět jak kreslicí plochu, tak model ve svém zorném poli.
"Hlavním cílem při tvorbě rychlých náčrtů modelu křídou (Nupastel) je zachytit rytmické akce a možná i nějaké kontrakce, " pokračuje. "Chci najít akci před konturami, protože bez tohoto smyslu pohybu kresba ztratí svůj rytmický tok." Pokud to čas dovolí, postupně představuji strukturu konceptualizací orientace hlavy, hrudní klece a pánve v prostoru pomocí svislých a vodorovných středních čar. Důraz je kladen spíše na kostru těla než na svaly.
"Čáry popisující rysy se mohou překračovat po částech těla, protože zdůrazňují tok forem a vztah jednoho tvaru k druhému, " vysvětluje DeMartin. "Pokud například paže přejíždí tělo, měl by umělec nejdříve nakreslit souvislé linie těla a potom natáhnout ruku přes tuto část těla." Cílem je nejprve zachytit akci a obrys a nechat jemnosti přijít později.
DeMartinova kresba gestem:Pětiminutové gesto s Nupastelem na novinový papír. |
"Kresby prováděné po delší dobu by měly být zahájeny se středním uhlím dřevěného uhlí umístěným v držáku, " radí umělec. "Výhodou dřevěného uhlí je to, že je jednodušší vymazat a upravit, pokud linky nejsou příliš tmavé." Také díky své jemnosti se uhlí po révě vinné sklouzne po papíru a dá se odvážnému a jednoduchému startu. “
Jakmile je DeMartin spokojen s proporcí a umístěním postavy na papír, označí oblast stínu v procesu, který nazývá posterizací. "Jedna věc je všeobecně pravdivá jak pro krátké, tak pro dlouhé pozice: nejprve by měly být vloženy stíny, protože ty vedou umělce při porovnávání ostatních hodnot, které jsou ve světle, " zdůrazňuje. "Vytvářím jednu rovnou hodnotu pro světla (bílá papíru) a jednu rovnou hodnotu pro stíny se šrafovanými čarami, které vydávají světlý tón." Hodnota se netýká, pouze grafická interpretace stínu. Je důležité rozpoznat, které formy jsou ve stínu a které nikoli, protože umělci často zaměňují tmavé hodnoty ve světle stínů. “
Když je spokojený se základní kresbou dřevěného uhlí, DeMartin utírá většinu měkkého uhlí a na bílém papíře zanechává jen slabý obraz. "To mi dává šablonu nebo průvodce pro závěrečné fáze kresby, " vysvětluje. "Poté obrázek znovu načrtnu pomocí stlačeného uhlí, které je stálejší, a věnuji větší pozornost přesnosti výkresu ve srovnání s modelem."
"Rozvíjím stíny aditivním způsobem a buduji vrstvy uhlí, " říká DeMartin a vysvětluje, jak kreslit dlouhé pózy. "Nejdřív jsem si promnul rovnou, rovnou hromadu stínů a pak pomocí pařezu na uhlí roztavil stíny do papíru." Slouží jako pěkné spojení s hodnotami ve světle, které jsou spontánně kresleny šrafováním. V delších pozicích je trojrozměrná iluze kresby vyjádřena především prostřednictvím hodnot světla a tmy. Roviny ve tvaru, které se odvracejí od zdroje světla, ztmavnou, když se přibližují ke stínu. Toto jsou hodnotové gradace na formuláři, které vyjadřují iluzi zaoblenosti. Čím je tvar kulatší, tím více se stupnice rozprostřou. “
|
|
| DeMartinova kresba gestem:
Dvacetiminutová kresba života s Nupastelem na novinový papír. |
Množství času, který studenti stráví na krátkodobých a dlouhodobých kresbách, závisí částečně na jejich úrovni dovedností. "Pokud studenti neměli mnoho školení, trávím méně času krátkými a více dlouhými pozicemi, protože je příliš obtížné trénovat nekvalifikovaného umělce v dílně, která trvá jen několik dní, " vysvětluje umělec. „Začátečníci se raději zabývají otázkami, které se přímo týkají malby - jako jsou hodnoty, tvary a hrany - spíše než gesty. Obvykle je snazší pracovat na proporcích, měřítcích a projekcích, pokud model drží stejnou pozici několik hodin. “
Aby DeMartin pomohl sdělit, jak prospěšné procvičování kresby může být pro malíře, nabízí DeMartin detailní přehled vývoje jednoho z jeho posledních obrazů, Billiards. Četné náčrtky miniatur, lineární kresby, hodnotové studie a kompoziční diagramy pomohly vytvořit pevný základ, který DeMartin věří, že je pro dobrý obraz tak důležitý.
Vnitřní scéna kulečníkové haly začala jako kresba rychlým gestem a rozvíjela se řadou kompozičních studií. "Vzpomněl jsem si na kulečníkovou halu, kterou jsem navštívil v 70. letech minulého století, kterou jsem vyfotografoval ao několik let později jsem vytvořil hrubý grafitový nákres v náčrtu 3" x 5 ", vzpomíná. "Skica byla volnou známkou toho, že dva muži střílejí hru bazénu, když stáli u okna." O několik let později jsem si představil obraz, který by mohl být zahrnut do výstavy „interiéry“Galerie John Pence v San Franciscu. Představoval jsem si, že má spoustu atmosféry vyplývající z vysokého kontrastu jasného světla a hlubokých stínů. “
Poté, co provedl další kresby, aby prozkoumal myšlenku a vtiskl obraz do své mysli, požádal DeMartin přítele, aby se představil jako jeden z hráčů bazénu a pro druhého muže nakreslil zrcadlený odraz svého vlastního těla. "Udělal jsem několik kreseb ve dřevěném uhlí, abych získal akci a postavu, a pak jsem vytvořil pečlivější kresby na tónovaném papíře pomocí stlačeného uhlí a bílé křídy, " vysvětluje. "Když jsem začal malovat, spoléhal jsem se na tyto kresby úplně."
Stejně jako mění typ kresby, kterou používá, používá DeMartin také různé techniky malování. "Těší mě, že jsem studoval u umělců, kteří prozkoumali dva různé způsoby vývoje obrazů, z nichž každý vede k odlišnému výsledku, " připouští umělec. "Michael Aviano vysvětlil, jak stavět na monochromatickém podmalování, zatímco Nelson Shanks mě naučil pracovat s barevnými vztahy od samého začátku." Najdu příležitosti, kdy jeden nebo druhý přístup nejlépe poslouží mým záměrům.
"V případě kulečníku jsem se rozhodl založit monochromatický podklad tak, že nejprve utěsníme linie kresby tenkou směsí hnědého okrového nátěru Old Holland a potom namaluji monochromatický základ plné hodnoty s spálenou barvou, " pokračuje DeMartin. „Monochromatické podbarvení nabízí výhodu v tom, že umožňuje obrazu„ dýchat “, zejména v tmavších pasážích. To vytváří příjemnou rovnováhu neprůhlednosti a průhlednosti a také texturního bohatství. Jakmile to bylo úplně suché, začal jsem malovat barevně v několika průchodech, abych dosáhl úrovně průhlednosti a neprůhlednosti potřebné pro hotový obraz. Když jsem vrstvil místní barvy nad základem, byl jsem ostražitý, když jsem držel hodnoty pod nimi. “
DeMartin zdůrazňuje, že neexistuje jen jeden doporučený přístup k kreslení nebo malování. Pro umělce je důležité si pamatovat, že určité množství kresby pomůže při výběru prvků obrázku, vytvoření složení čar a hodnot a řešení potenciálních problémů. "Vždy to pomáhá mít techniky založené na solidních principech, které tvrdou prací přinášejí úspěšné výsledky, " uzavírá. "Umělci jsou schopni realizovat své vize jen díky schopnosti prvního zachycení života ve kresbách."
